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El libro sobre "El pintor Casimiro Sainz 1853-1898" se presenta hoy a las 19 horas en CASYC

Los autores han sido Teodoro Pastor Martínez y Diego Bedia Casanueva

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Cerrado por reformas

El museo estará cerrado al público hasta 2018.

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Regresa Vista de Sena de Celso Lagar del MAS procedente de una antológica en Ciudad Rodrigo

El excepcional óleo estuvo presente en la exposición que se realizó recientemente en el Palacio de los Águila

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EL MAS celebra hoy su cumpleaños

El museo es un servicio al público y a la sociedad

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El MAS amplia sus fondos bibliográficos con unos 400 libros y catálogos especializados, donados por la Fundación Marcelino Botín

La colección bibliográfica del Museo de Arte Moderno y Contemporáneo cuenta con cerca de 25.000 volúmenes

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El MAS incorpora en propiedad once obras de Amaya González

La artista gallega expuso en el museo santanderino la muestra No hay nada tan importante

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Wendy Navarro explicó ayer a los participantes obras muy significativas de Travesía Incluso

La crítica de arte, comisaria independiente, y colaboradora del MAS realizó ayer una visita guiada especial al museo santanderino

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aluCINE

Que el cine está concebido como el Séptimo Arte no escapa al MAS. No en vano, por ejemplo, fue la trama a través de la cual se desarrolló la presentación de la colección permanente en 2003 titulada ¿Sin Límites? El MAS ofrece y propone así un foro de encuentro y reflexión, donde se conjugan las proyecciones cinematográficas y el debate, contando con la participación de críticos y profesionales del mundo del cine. aluCINE es un ambiente ideado para que el público pueda visionar las producciones, en forma de largometrajes o cortometrajes, de las artes audiovisuales, y los nuevos creadores encuentren un espacio en el que mostrar sus obras.


Últimos eventos

Actual
Man Ray. Emak bakia

26/05/2015 19.30

aluCINE finaliza el ciclo dedicado al artista vanguardista Man Ray (Filadelfia, 1980 - París, 1975) con la proyección de Emak bakia, la cinta más libertaria del autor que supuso un grito reivindicativo de creatividad que encajó con el espíritu anárquico del artista estadounidense y que desde entonces ha movido las conciencias de algunos escritores, músicos y diseñadores.

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EMAK BAKIA (1926)

Emak Bakia (Déjame en paz, en castellano) no solo es el título de la película más libertaria de Man Ray, sino también el nombre de la casa donde la filmó, ubicada en un acantilado en la costa vasco-francesa a siete kilómetros de Biarritz.

Película muda de 19 minutos rodada en blanco y negro realizada por Man Ray en 1926, año en que el autor produce su primera película (Le Retour á la raison). Emak bakia fue proyectada por primera vez en el Palacio des Ursulines durante el año de su realización. En el evento, Man Ray le indicó a un grupo de músicos presentes qué debían tocar y en qué momento. Asimismo, se reprodujeron fragmentos de jazz en un fonógrafo, aunque algunos no entraban en el repertorio de los músicos.

A la proyección de Emak Bakia asistieron muchas personas vinculadas al grupo surrealista, pero no se mostraron entusiasmados con la película, sino más bien al contrario. El autor atribuye este fracaso a la libertad, juzgada como individualismo, que él se había tomado durante la grabación de la obra: no había informado a ninguno de sus amigos de estar realizándola. El autor siempre se lamentó por la forma sectaria en que el grupo decidía qué obras eran representativas de su movimiento: si un artista se reunía con el resto del grupo al acabar su pieza para comentarla, al día siguiente se publicaban artículos o firmas a favor de la cualidad surrealista de la obra; sin embargo, en el caso de que la creación no fuera presentada al grupo, su acogida entre los miembros no era del todo afable.

El director afirma que, al margen de las consideraciones de la comunidad surrealista, él había realizado la película siendo fiel a los principios del movimiento. En 1963 escribió un artículo titulado Film dada et surréalisme que se puede encontrar en la obra LOcchio tagliato. En este escrito, Man Ray afirma: "Yo había sido fiel a todos los principios surrealistas: irracionalidad, automatismo, secuencias psicológicas y oníricas, aparentemente desprovistas de lógica, y desprecio total por el arte tradicional de contar una historia".

 

MAN RAY (1890)
Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18 de noviembre de 1976) fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos.
Man Ray empezó a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín en el Odeón.
En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.
En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poetisa belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el movimiento dadá neoyorquino.
En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).
En 1921 se instala en París, donde vivirá hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino. Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs (rayogramas) de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.
Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.
Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como Object to be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de destrucción. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente Objeto indestructible, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924).
En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayogramas. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de mar (1927). En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.
En 1940, escapando de la ocupación nazi de París (1940-1944), se instala en Hollywood y en Nueva York. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor. En 1946 se casó con Juliette Browner, en una doble boda junto con la pareja de Max Ernst y Dorothea Tanning.
La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero del dadá y del surrealismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte», dirá.
Regresó a Francia en 1951. En 1963 publicó su Autobiografía. En 1973, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica. Muere el 18 de noviembre de 1976, en París, a los 86 años. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.
 


Actual
Man Ray.

19/05/2015 19.30

Este año, el ciclo aluCINE vuelve al MAS centrándose en la figura de Man Ray (Filadelfia, 1980 - París, 1975). Así, los martes 19 y 26 de mayo, el MAS dedicará este espacio temático en el que pretende hablar del cine como disciplina artística a la figura del artista vanguardista.

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LE RETOUR À LA RAISON (1923)

La primera de las películas de Man Ray, la dadaísta Le retour à la raison (1923), esconde toda una reflexión sobre la materialidad de la imagen y sobre el movimiento fílmico, además de presentar una interesante crítica antiperspectivista. Se trata de un film experimental, con formas y sombras moviéndose sobre un fondo negro; un cuerpo bañado en contrastes lumínicos; blancos y negros intensos. Uno de los primeros cortometrajes dadaístas. Su cine parece plasmar su fotografía, al mismo tiempo tratando de saltar al vagón surrealista de la época.

L'ÉTOILE DE MER (1928)

En 1928 realizó su película más conocida, L'Étoile de mer a partir de un poema de Robert Desnos que el poeta leyó en su presencia durante una cena privada. El resultado es una historia de corte onírico, dimensión que el realizador subraya con filtros de gelatina (al decir de algunos, utilizados para burlar la censura de la época), y componentes eróticos que transcurren a través de conceptos canónicamente surrealistas, como el del amour fou. Kiki de Montparnasse, André de la Rivière y el mismo Robert Desnos son los actores.

 

MAN RAY (1890)

Man Ray, seudónimo de Emmanuel Radnitzky (Filadelfia, 27 de agosto de 1890 - París, 18 de noviembre de 1976) fue un artista modernista estadounidense que pasó la mayor parte de su carrera en París (Francia). Fue un importante contribuyente a los movimientos dadaísta y surrealista, a pesar de que sus vínculos con cada uno eran informales. Él era conocido en el mundo artístico por su fotografía avant-garde, y también fue un reconocido fotógrafo de retratos.

Man Ray empezó a cantar a la edad de cinco años y dos años después se traslada a Brooklyn con su familia. Recibe una beca para estudiar Arquitectura y la rechaza al igual que la idea de una educación académica. Fue bailarín en el Odeón.

En Nueva York trabaja como grabador y en una agencia de publicidad, a la vez que asiste a las clases nocturnas de la National Academy of Design. Sus primeros contactos con la vanguardia neoyorquina se producen en sus visitas a la galería de Alfred Stieglitz y en las tertulias de los Arensberg.

En 1908 se casa con Adon Lacroix, una poetisa belga. Su primera exposición individual tiene lugar en la Daniel Gallery de Nueva York en 1915. Funda, junto a Marcel Duchamp y Francis Picabia, el movimiento dadá neoyorquino.

En 1918 trabaja con aerógrafos sobre papel fotográfico y en 1920, con K. Dreier y M. Duchamp, funda la Société Anonyme, una compañía desde la cual gestionan todo tipo de actividades de vanguardia (exposiciones, publicaciones, instalaciones, películas, conferencias, etc.).

En 1921 se instala en París, donde vivirá hasta 1940, y allí centraliza el Dadá parisino. Ante la imposibilidad de vender su obra, Man Ray vuelve a la fotografía. Sus primeras obras experimentales son los Rayographs (rayogramas) de 1921, imágenes fotográficas sacadas sin cámara (imágenes abstractas obtenidas con objetos expuestos sobre un papel sensible a la luz y luego revelado). Hace también retratos, de hecho se convierte en fotógrafo retratista de personalidades de la cultura.

Cuando el surrealismo se separa del dadá en 1924, Ray es uno de sus fundadores y está incluido en la primera exposición surrealista en la galería Pierre de París en 1925.

Realiza esculturas surrealistas siguiendo el modelo del arte encontrado creado por Marcel Duchamp, como Object to be Destroyed (Objeto para ser destruido) de 1923; Man Ray añadió a un metrónomo normal, de 26 cm de altura, la fotografía de un ojo en la aguja. Nueve años después Man Ray es abandonado por su pareja, Lee Miller, a consecuencia de lo cual Man Ray sustituyó el ojo de alguien desconocido por el de su ex amante, y cambió el título del ready-made por el de Objeto de destrucción. En 1957, un grupo de estudiantes destruyeron, en efecto, el metrónomo, pero Man Ray lo reconstruyó en 1963, y lo tituló definitivamente Objeto indestructible, dándole a la obra un giro conceptual. En el Museo Reina Sofía se encuentra una reproducción a escala gigante de esta obra conservada en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.

Inspirado por su modelo y amante Alice Prin, conocida como Kiki de Montparnasse, hace Le Violon d'Ingres (1924).

En los años treinta realiza la serie de las solarizaciones, negativos fotográficos expuestos a la luz, y sigue pintando en un estilo surrealista; publica varios volúmenes de fotografías y rayogramas. Hacia finales de los años veinte comienza a realizar películas de vanguardia, como la Estrella de mar (1927). En 1936 su obra está presente en la exposición Arte Fantástico, Dadá y Surrealismo del Museo de Arte Moderno de Nueva York.

En 1940, escapando de la ocupación nazi de París (1940-1944), se instala en Hollywood y en Nueva York. Durante su estancia en California se gana la vida enseñando como profesor. En 1946 se casó con Juliette Browner, en una doble boda junto con la pareja de Max Ernst y Dorothea Tanning.

La fértil producción de Ray elude categorizaciones netas y refleja su ágil y humorística sensibilidad. Entre pinturas y fotografías hay que incluir películas, objetos, collages, obra gráfica, dibujos, diseño publicitario y moda. Como pionero del dadá y del surrealismo, su aproximación se caracteriza por lo irracional y lo incongruente, provocando erotismo y escándalo. «La búsqueda de la libertad y el placer; eso ocupa todo mi arte», dirá.

Regresó a Francia en 1951. En 1963 publicó su Autobiografía. En 1973, el Metropolitan Museum de Nueva York le dedica una retrospectiva a su obra fotográfica. Muere el 18 de noviembre de 1976, en París, a los 86 años. Sus restos descansan en el Cementerio de Montparnasse.


Actual
Víctor Erice.

27/05/2014 19.00 h

Esta jornada del ciclo aluCINE trata sobre el desarrollo de la belleza en el cine. La jornada será presentada por Linker -coordinador del ciclo- que hará una breve síntesis del trabajo del autor y de los aspectos más importantes de la película.

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EL SUR (1983)

El sur. 93 minutos. España-Francia.

En la Gaviota, una casa de las afueras de una ciudad norteña, viven Agustín Arenas, hombre del sur, médico y zahorí; Julia, su mujer, maestra represaliada tras la Guerra Civil Española; y Estrella, la hija de ambos. Estrella va creciendo y se encuentra fascinada por su padre, al cual observa en todo momento, pero al que no comprende en absoluto. Ella crece y vive feliz, ajena a los problemas de su madre, una persona eternamente amargada que fue castigada por el régimen franquista tras la Guerra Civil. Una tarde, Estrella se encuentra a su padre sentado en un café y es entonces cuando descubre el secreto que éste guardaba: una relación amorosa con otra mujer.

Una de las cosas que hace especial a esta película es su principio. Muchos autores lo destacan como la creación por parte del director de una atmósfera que definirá lo que será el resto del filme. Esto lo consigue Erice al fijar la cámara en la cama de Estrella mientras van pasando los días, amanecer tras amanecer. Este repetido plano consigue generar en el espectador una sensación de soledad, tristeza, nostalgia. Hay que recordar que diez años antes, Víctor Erice consiguió crearse un nombre a nivel internacional gracias a su primer largometraje El espíritu de la colmena, impulsando así el cine español.

 

VÍCTOR ERICE (Vizcaya, 1940)

Licenciado en Ciencias Políticas por la Universidad de Madrid, ingresó en el Instituto de Investigaciones y Experiencias Cinematográficas, donde en 1963 se diplomó en dirección con un cortometraje.

En 1969 debutó como realizador con un fallido filme de tres episodios (los otros dos dirigidos por Claudio Guerín y José Luis Egea), producido por Elías Querejeta, quien financió sus dos siguientes películas.

Separadas por un período de diez años, la primera, “El espíritu de la colmena” (1973), alcanzó una gran repercusión, convirtiéndolo en uno de los directores más sugerentes de la nueva cinematografía española y en uno de los más importantes de toda su historia. La segunda, “El sur” (1983), basada en un relato de Adelaida García Morales, superó todas las expectativas gustó muchísimo desde su estreno, su proyección en el Festival de Cannes fue muy exitosa y se erigió en una nueva obra maestra. Tras otro prolongado período de inactividad, a partir de lo que sería un episodio de una serie de televisión, en 1992 rodó “El sol del membrillo”, un largometraje experimental sobre el pintor Antonio López, que fue premiado en el Festival de Cannes.

Autor de una filmografía cuya brevedad hay que atribuir a su manifiesta intención de no claudicar ante un sistema que limita la libertad de creación, la calidad de sus obras lo ha encumbrado a un nivel entre los cineastas españoles antes sólo alcanzado por Luis Buñuel y, en menor medida, por Luis G. Berlanga y Carlos Saura.

En 1996 fue distinguido con la Medalla de Oro de las Bellas Artes. Tras trabajar varios años en el guión para la adaptación de la novela de Juan Marsé “El embrujo de Shanghai”, la falta de acuerdo con el productor del proyecto, Andrés Vicente Gómez, impidió el esperado regreso de Erice al largometraje. En 2002 publicó el polémico guión y presentó “Alumbramiento”, un corto de 10 minutos incluido en el filme conjunto “Ten minutes older”.

   

FILMOGRAFÍA

LARGOMETRAJES

El espíritu de la colmena (1973)

El sur (1983)

El sol del membrillo (1992)

CORTOMETRAJES

En la terraza (1961)

Páginas de un diario (1962)

Los días perdidos (1963)

Entre vías (1966)

Los desafíos - Segmento 3 (1969)

Celebrate Cinema 101 - Segmento Preguntas al atardecer (1995)

Ten minutes older: the trumpet - Segmento Alumbramiento (2002)

Correspondencia (10 cartas con Abbas Kiarostami) (2005-2007)

La Morte Rouge (2006)

3.11 A sense of home - Segmento Ana, tres minutos (2011)

Centro histórico - Segmento Cristales rotos (2012)

GUION

Oscuros sueños de agosto (1967)

El próximo otoño (1967)

La promesa de Shanghai (1998)

ACTOR

Un lugar en el cine - Dirigida por Alberto Morais (2007)

Víctor Erice: París-Madrid, idas y vueltas - Dirigida por Alain Bergala (2010)


Actual
Ingmar Bergman.

20/05/2014 19.00 h

Esta jornada del ciclo aluCINE trata sobre el cine y la sombra del arte. En esta ocasión, se centra en la figura del cineasta sueco Ingmar Bergman, y se proyectará su película "La hora del lobo" (1968). La jornada será presentada por Linker -coordinador del ciclo- que hará una breve síntesis del trabajo del autor y de los aspectos más importantes de la película que podrá visionarse.

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LA HORA DEL LOBO (1968)

Vargtimmen. 88 minutos. Suecia.

En una isla viven los Borg: Johan, que es pintor, y su mujer Alma. Sus vecinos, los siniestros Von Merken, poseen un círculo de amistades tan escalofriante que Johan comienza a obsesionarse con la idea de que los demonios lo acechan y sufre pesadillas que dibuja en su cuaderno de bocetos.

Una mujer visita a Alma y le incita a leer el diario de Johan. Al hacerlo, Alma se entera de que Johan se ha reencontrado en la isla con Verónica Vogler, una mujer con la que compartió años de su vida. Informa a Alma de que están invitados a una cena en el palacio del Barón von Merken, en otra parte de la isla. En el palacio, Alma descubre que las personas que allí se encuentran tienen las mismas características que los personajes de las pesadillas de Johan que éste ha dibujado en su cuaderno. Durante la noche, los invitados asisten a una representación un aria de "La flauta mágica" de Mozart en un teatro de marionetas.

 

"La hora del lobo es el momento entre la noche y la aurora cuando la mayoría de la gente muere, cuando el sueño es más profundo, cuando las pesadillas son más reales, cuando los insomnes se ven acosados por sus mayores temores, cuando los fantasmas y los demonios son más poderosos(...)" Ingmar Bergman.

 

INGMAR BERGMAN

Hijo de un estricto pastor protestante, Bergman cursó estudios en la Universidad de Estocolmo y obtuvo la licenciatura en literatura e historia del arte con una tesis sobre Strindberg. Hasta 1942 dirigió el teatro universitario y, posteriormente, fue ayudante de dirección del Gran Teatro Dramático de Estocolmo. En 1943, la productora Svensk Filmindustri (SF) lo contrató para el departamento de guiones.
Un año más tarde, la misma empresa produjo una película a partir de su novela corta “Tortura,” que dirigió Alf Sjöberg. Entre 1944 y 1955 fue responsable artístico del teatro municipal de Helsingborg, etapa en la que también dirigiría su primera película, “Crisis” (1946), producida por la SF, y realizó una serie de adaptaciones para el productor independiente Lorens Malmstedt, en las cuales aparecen ya sus preocupaciones existencialistas y que merecieron cierto reconocimiento entre el público y la crítica de su país.
Sin embargo, hasta la aparición de la comedia “Sonrisas de una noche de verano”, el nombre de Bergman no empezó a ser internacionalmente conocido. El éxito que alcanzó esta película en el Festival de Cannes de 1956 lo convirtió en el autor de moda dentro del cine europeo, y ello propició que se recuperaran numerosos filmes anteriores suyos.
El cine de Bergman recoge la influencia formal del expresionismo y de la tradición sueca, en especial la de Victor Sjöström, y destaca por su gran sentido plástico, casi pictórico, y el aprovechamiento de las posibilidades del blanco y negro. Sus filmes giran en torno de una serie de constantes temáticas, en especial la muerte y el amor, marcadas por las preocupaciones existencialistas y religiosas del autor, y abordadas con un tono metafísico y una densidad de diálogos motivada por sus inicios en el teatro.
En el amplio conjunto de su obra ha escrito, producido y dirigido películas que abarcan desde la comedia ligera al drama psicológico o filosófico más profundo. En sus comedias, el contenido sexual está en mayor o menor medida presente, si bien tratado con extremo lirismo. Película emblemática dentro de su filmografía por su gran repercusión entre el público y la crítica, “El séptimo sello” (1956) constituye una lúgubre alegoría que indaga en la relación del hombre con “Dios y la muerte”, para la cual empleó recursos narrativos basados en la iconografía cristiana, aunque incorporando audacias personales de gran eficacia. Su virtuosismo técnico se hace evidente en “Fresas salvajes” (1957), recreación de su propia infancia para la que utilizó una estructura de narraciones superpuestas.
La posición de Bergman como director se consolidó plenamente a lo largo de la década de 1960. La obra más representativa de esta etapa es quizá Persona (1966), donde destacan las simetrías compositivas, los primerísimos planos y el empleo evocador del sonido y la música. Bergman continúa explorando en esta película el alma humana, su incapacidad para la comunicación, para sentir y recibir amor. Los setenta son ya años de pleno reconocimiento internacional para el director, en que los éxitos y los premios se suceden: Cannes, Hollywood, Venecia, Berlín... Su dedicación al cine no le impidió, sin embargo, continuar trabajando para el teatro y la televisión.
En 1976 abandonó su país por problemas fiscales y se instaló en Munich, donde creó su propia productora. De estos años data su película más encantadora y vital, “Fanny y Alexander” (1982), de la que el mismo autor comentó: «Por fin quiero dar forma a la alegría que, a pesar de todo, llevo dentro de mí y a la que tan rara vez y tan vagamente doy vida en mi trabajo.» Posteriormente Bergman publicó sus memorias en dos volúmenes, “Linterna mágica” (1988) e “Imágenes” (1990), y escribió guiones cinegrafográficos para otros directores, entre otros su hijo Daniel.

 

FILMOGRAFÍA

1944        Tortura (Hets, Tormento)

1945        Crisis (Kris)

1946        Llueve sobre nuestro amor (Det regnar på vår kärlek)

1947        Mujer sin rostro (Kvinna utan ansikte)

                Barco a la India (Skepp till India Land)

1948        Música en la oscuridad o Música en la noche (Musik i mörker)

                Ciudad portuaria o Puerto (Hamnstad)

                Eva (Eva)

1949        Prisión (Fängelse)

                La sed (Sed) (Törst)

1950        Hacia la felicidad (Till glädje)Cuando la ciudad duerme (Medan staden sover, 'Mientras la ciudad duerme')

                Esto no puede ocurrir aquí (Sånt händer inte här, 'Una cosa tal no ocurre aquí')

                Divorcio (Frånskild)

1951        Juegos de verano o Juventud, divino tesoro (Sommarlek)

1952        Tres mujeres (Secretos de mujeres) (Kvinnors väntan, 'La espera de las mujeres')

1953        Un verano con Mónica (Sommaren med Monika, 'El verano con Monika')

                Noche de circo (Gycklarnas afton)

1954        Una lección de amor (En lektion i kärlek)

1955        Sueños (Kvinnodröm, 'Sueño de mujer')

                Sonrisas de una noche de verano (Sommarnattens leende)

1956        El séptimo sello (Det sjunde inseglet)

                La última pareja que corre (Sista paret ut, 'La última pareja, afuera')

1957        Fresas salvajes (Smultronstället, 'Pequeño rincón de frutillas silvestres')

                En el umbral de la vida (Nära livet, 'La vida cercana')

1958        El rostro (Ansiktet)

1959        El manantial de la doncella (Jungfrukällan)

1960        El ojo del diablo (Djävulens öga)

1961        Como en un espejo (Såsom i en spegel, 'Detrás de un vidrio oscuro')

                El jardín de las delicias (Lustgården, 'El jardín de los deseos')

1962        Los comulgantes (Nattvardsgästerna, Luz de Invierno)

1963        El silencio (Tystnaden)

1964        Todas esas mujeres (För att inte tala om alla dessa kvinnor, 'Mejor ni hablemos de todas esas mujeres')

1966        Persona

1967        Daniel, episodio de Stimulantia. Cortometraje presentado por el propio Bergman.

1968        La hora del lobo (Vargtimmen)

                La vergüenza (Skammen)

1969        El rito (Riten)

                Fårödokument 1969 ('Documento sobre Fårö')

                Una pasión (En passion, La pasión de Anna)

                La Reserva (Reservatet)

1971        La carcoma o El toque(Beröringen 'El contacto')

1972        Gritos y susurros (Viskningar och rop, 'Susurros y gritos')

1974        Secretos de un matrimonio (Escenas de la vida conyugal) (Scener ur ett äktenskap)

1975        La flauta mágica (Trollflöjten)

1976        Cara a cara (Ansikte mot ansikte)

1977        El huevo de la serpiente (Ormens ägg/Das Schlangenei)

1978        Sonata de otoño (Höstsonaten)

1979        Mi isla, Farö (Farö-dokument)

1980        De la vida de las marionetas (Aus dem Leben der Marionetten)

1982        Fanny y Alexander (Fanny och Alexander)

1984        El Rostro de Karin (Karins Ansikte)

                Después del ensayo (Efter repetitionen)

1985        Los dos bienaventurados (Det tva saliga)

1986        Documento Fanny y Alexander (Dokument Fanny och Alexander), cortometraje

                De Två saliga

1992        La marquesa de Sade (Markisinnan de Sade)

1993        Backanterna Adaptación de Las Bacantes de Eurípides rodada para la TV sueca.

1995        Sista skriket ('El último grito')

1997        En presencia de un payaso (Larmar och gör sig till, 'Lágrimas y actuaciones')

2000        Creadores de imágenes (Bildmakarna)

2003        Saraband


Actual
Luis Buñuel.

13/05/2014 19.00 h

El ciclo aluCINE vuelve al MAS con una sesión que versa sobre el cine y la metáfora a través de la proyección de la obra de Luis Buñuel "El fantasma de la Libertad". La conta será presentada por Linker, el coordinador del ciclo, que hará una breve introducción en la que hablará de la película y su autor.

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EL FANTASMA DE LA LIBERTAD (1974)

Le fantôme de la liberté. 104 minutos. Francia.

Serie de viñetas entrelazadas por un personaje o una situación que conecta una historia con la siguiente. Unos soldados franceses entran a la catedral de Toledo durante la invasión napoleónica. Un capitán besa la estatua de una mujer y destruye la de un hombre. En la época actual, un matrimonio se escandaliza con unas postales que muestran monumentos de París. Un hombre ve pasar unos animales por su cuarto. En una escuela de policías, un gendarme dicta una lección sobre las distintas costumbres antropológicas. Un asesino es dejado en libertad después de matar a 18 personas. Una multitud furiosa asalta un zoológico gritando lemas de la resistencia anti-napoleónica, mientras un avestruz mira directamente al espectador.

 

El fantasma de la libertad fue la penúltima película de Buñuel, filmada al final de su carrera. Al tiempo de producción, tenía la edad de 74 años y estaba considerando su jubilación. La película resume muchas de las preocupaciones que impregna toda su obra y fue, además, una de sus favoritas. La película contiene incidentes cortos y escenarios recogidos a lo largo de la vida de Buñuel, organizado en un estilo de juego surreal donde aparentemente ideas inconexas son enlazadas por encuentros del azar y se divide en 14 viñetas (o capítulos) entrelazadas por un personaje o una situación que conecta una historia con la siguiente. Buñuel ya había probado esta forma de dirigir en La edad de oro, con los amantes como hilo conductor.

 

LUIS BUÑUEL

Luis Buñuel nació en Calanda, Aragón, el 22 de febrero de 1900. Su padre, Leonardo Buñuel González, originario del mismo pueblo donde tenía un negocio de ferretería y armas, había conseguido una pequeña fortuna en Cuba y en 1898, al estallar la guerra hispano-estadounidense, liquidó sus negocios y volvió a su pueblo natal, donde se casó con María Portolés Cerezuela, veintiocho más joven que él.

Con seis años asiste al Colegio de los Hermanos Corazonistas, donde comenzaría sus primeros estudios con clases en castellano y francés. En 1908, durante una sesión del Cine Farrusini de Zaragoza descubre el cine. Entre 1908 y 1915, estudia bachillerato en el Colegio del Salvador de Jesuitas, que completa con otras materias en el Instituto General y Técnico de Zaragoza. Su infancia transcurre en Zaragoza. Pasa los veranos en Calanda, y a partir de 1915 en San Sebastián, pero acude siempre a su pueblo natal en los días de Semana Santa. Completa el bachillerato en el instituto de Segunda Enseñanza de Zaragoza. Fue en esa época en la que conoció a José Ignacio Mantecón y Juan Vicens, dos de sus grandes amigos.

En 1917 parte a la capital española y se radica en la Residencia de Estudiantes para cursar estudios de ingeniero agrónomo obligado por su padre. Allí conoció al pintor Salvador Dalí y al poeta Federico García Lorca, así como a otras destacadas personalidades de la generación del 27, tales como Rafael Alberti, Emilio Prados, José Moreno Villa, Pedro Garfías, Manuel Altolaguirre y Pepín Bello. Todos ellos ejercieron una decisiva influencia en la obra de Buñuel, muy especialmente en sus primeros años.

Poco tiempo después deja sus estudios de Ingeniería Agrónoma para estudiar Ciencias Naturales como alumno del famoso entomólogo Ignacio Bolivar. Organiza el equipo de atletismo de la Residencia. Comienza su afición por el boxeo y participa como miembro de la Real Sociedad Gimnástica Española en el campeonato amateur de España de peso pesado.

Debido a su gran interés por el teatro, monta con García Lorca y Dalí una parodia de Don Juan Tenorio. Se interesa en el cine cómico norteamericano, en actores como Buster Keaton, Harold Lloyd y Ben Turpin. Forma las primeras proyecciones de cine club en España. Colabora con poemas en las revistas Ultra y Horizonte.

Estudia Historia en la Facultad de Filosofía y Letras de la Universidad Central de Madrid. Trata con Miguel de Unamuno, Juan Ramón Jiménez, Manuel de Falla, José Ortega y Gasset, etc. En el año 1924 obtiene su licenciatura en Filosofía y Letras. Louis Aragón imparte en la Residencia una conferencia sobre el surrealismo en 1925. En este mismo año se traslada a París y trabaja como asistente de Epstein. Escribe y dirige Hamlet, divertimento que representa con sus amigos. Posteriormente conoce a Jeanne Rucar, joven profesora francesa de gimnasia con la que se casara dos años después.

Al año siguiente Buñuel dirige en Amsterdam la puesta en escena de El retablo de Maese Pedro, con música de Manuel de Falla. Publica poemas y crítica de cine en Cahiers d'Art y La gaceta Literaria, cuyo cine club dirige. Una película de Fritz Lang, Las tres luces, le impresiona vivamente y decide dedicarse al cine. Ingresa en la Academie du Cinema de París donde se trasladó para seguir los cursos cinematográficos de Jean Epstein. Escribe su primer guión, para la celebración del primer centenario de la muerte de Goya (que no se pudo llevar a cabo por falta de presupuesto) en 1927. Participa en el rodaje de los cortos Étude cinematografique sur un arabesque y Thémes et variations de la realizadora Germaine Dulac.

El 2 de abril de 1929 inicia la filmación de El perro andaluz (gracias a un préstamo que le hizo su madre), corto mudo de 17 minutos, verdadero manifiesto del espíritu surrealista. Dos días antes de que finalice el rodaje se incorpora Dalí e interpreta a un marista arrastrado por el suelo. En 1930, Buñuel dirige La Edad de Oro, que verá la luz por primera vez en la ciudad de Londres el 2 de enero de 1931, cuyo estreno en París causó un gran escándalo, suspendiéndose su exhibición. Obra polémica por sus principios morales y por su ataque a las costumbres establecidas.

En 1931, la Metro-Goldwyn Mayer lo contrata por seis meses y se instala en Hollywood, donde conoce a Charles Chaplin, Dolores del Río, y Eisenstein entre otros. A los cuatro meses de su llegada el contrato es cancelado por negarse a supervisar el acento y pronunciación del castellano de la actriz Lily Damita. Vuelve a Europa poco antes de la declaración de la República Española. En 1932 Buñuel se aleja de la corriente especulativa del surrealismo, aproximándose al ala comunista del movimiento, colaborando con la Asociación de Escritores y Artistas Revolucionarios. En los meses de abril y mayo rueda el documental Las Hurdes, siendo prohibido por la censura por considerarlo denigrante para España. Durante 1933 trabaja en el doblaje de películas para la Paramount en París y para la Warner Bros en Madrid. Realiza adaptaciones de las novelas de André Gide, Les Caves du Vatican y de Emily Brönte, Cumbres borrascosas.

En 1934 contrae matrimonio con Jeanne en París, naciendo su primer hijo, Juan Luis. Un año después, funda la productora Filmófono con Ricardo Urgoiti y estrenan Don Quintin el amargao y La hija de Juan Simón. Al poco tiempo del inicio de la Guerra Civil española es trasladado a Francia por el Ministro de Asuntos Exteriores para coordinar misiones de propaganda. Ayuda a André Malraux a rodar Sierra de Teruel y a Joris Ivens en Tierra de España (The Spanish Earth). En 1936 supervisa el montaje de España leal en armas, un documental a partir de las filmaciones de corresponsales de guerra, dirigido por Jean-Paul Le Chanois. El gobierno republicano envía a Buñuel a Hollywood para supervisar las películas que planearon allí sobre la guerra civil española. Al finalizar ésta, en 1939, queda desempleado. Poco tiempo después, nace su segundo hijo, Rafael.

En el 61 vuelve a España, donde comienza el rodaje de Viridiana, sórdido relato que remite a la mejor tradición del Siglo de Oro y del cual recibe la Palma de Oro en Cannes y los furibundos ataques del Vaticano. En 1963 dirige Diario de una camarera iniciándose la colaboración con el productor Serge Silberman y con el guionista Jean-Claude Carriere. En la película de Carlos Saura Llanto por un bandido, Buñuel interpreta el papel del verdugo, y En este pueblo no hay ladrones de Alberto Isaac interpreta a un cura. Un año después, Buñuel plantea Cuatro misterios rodando: Las Ménades de Cortazar, Gradiva de Jensen, Ilegible, Hijo de flauta de Buñuel y Larrea y Secuestro (con guión de Buñuel).

Da un giro radical y comienza Simón del Desierto inspirándose en ideas de Lorca. Se presenta en la Mostra de Venecia y obtiene el León de Plata. El rodaje de Bella de día (Belle de jour) se inicia en Francia en 1966, obteniendo un enorme éxito de público y el León de Oro en la Mostra. El rodaje de La vía láctea tiene lugar en 1969, estrenándose en París. En 1970 regresa de nuevo a España, para rodar en la ciudad de Toledo Tristana, una película sobre la obra de Galdós con un reparto de lujo: Catherine Deneuve, Fernando Rey y Franco Nero.

El discreto encanto de la burguesía se rueda en 1972, y obtiene el Oscar a la mejor película extranjera. En 1974, rueda El fantasma de la libertad (Le fantôme de la liberté) filmada en París, con argumento de Buñuel y Carreré. Buñuel interpreta un pequeño papel. En el mes de Junio de 1977 Buñuel termina el rodaje de su última película Ese oscuro objeto del deseo, filmada en España y Francia, y gracias a la cual recibe en México el Premio Nacional de Artes.

El 29 de julio de 1983 fallece en Ciudad de México a los 83 años de edad.

 

FILMOGRAFÍA

DIRECTOR

Entre 1929 y 1977 dirigió un total de 32 películas.19 Además, en 1930 rodó Menjant garotes ("Comiendo erizos"), una película muda de únicamente cuatro minutos, con la familia Dalí como protagonista.

La edad de oro (L'âge d'or, 1930).

Las Hurdes, tierra sin pan (Las Hurdes, 1933).

Gran Casino (En el viejo Tampico, 1947).

El gran Calavera (1949).

Los olvidados (1950).

Susana (Demonio y carne, 1951).

La hija del engaño (1951).

Una mujer sin amor (Cuando los hijos nos juzgan, 1952).

Subida al cielo (1952).

El bruto (1953).

Él (1953).

La ilusión viaja en tranvía (1954).

Abismos de pasión (1954).

Robinson Crusoe (realizada en 1952 y registrada en 1954).

Ensayo de un crimen (La vida criminal de Archibaldo de la Cruz, 1955).

El río y la muerte (1954-1955).

Así es la aurora (Cela s'appelle l'aurore, 1956).

La muerte en el jardín (La muerte en este jardín, La mort en ce jardin, 1956).

Nazarín (1958-1959).

Los ambiciosos (La fiebre sube a El Pao, La fièvre monte a El Pao, 1959).

La joven (The Young One, 1960).

Viridiana (1961).

El ángel exterminador (1962).

Diario de una camarera (Le journal d'une femme de chambre, 1964).

Simón del desierto (1964-1965).

Belle de jour (Bella de día, 1966-1967).

La Vía Láctea (La Voie Lactée, 1969).

Tristana (1970).

El discreto encanto de la burguesía (Le charme discret de la bourgeoisie, 1972).

El fantasma de la libertad (Le fantôme de la liberté, 1974).

Ese oscuro objeto del deseo (Cet obscur objet du désir, 1977).

Aparte de las películas que realizó como director o actor, o en las que colaboró de una u otra forma, también hubo una serie de proyectos que no pudo realizar.

ASISTENTE DE DIRECCIÓN

Mauprat (Jean Epstein, 1926).

La sirène des tropiques (Mario Nalpas y Henri Étiévant, 1927).

La chute de la maison Usher (Jean Epstein, 1928).

Como productor o supervisor

Un perro andaluz (1929).

Don Quintín el Amargao (Luis Marquina, 1935).

La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia, 1935).

Quién me quiere a mí (José Luis Sáenz de Heredia, 1936).

Centinela alerta (Jean Grémillon, 1936).

España leal en armas (Jean-Paul Le Chanois, 1937). Documental propagandístico también conocido como España 1936 o Madrid 1936.

GUIONISTA  (películas no realizadas por él)

Si usted no puede, yo sí (Julián Soler, 1950). Guion de Janet Alcoriza basado en un argumento de L. Buñuel y Luis Alcoriza.

El monje (Le moine) (Ado Kyrou, 1965). Guion de L. Buñuel y Jean-Claude Carrière.

La novia de medianoche (Antonio F. Simón, 1997). Guion de L. Buñuel y José Rubia Barcia adaptado por Lino Braxe.

ACTOR

Mauprat (Jean Epstein, 1926).

Carmen (Jacques Feyder, 1926).

La sirène des tropiques (Henri Étiévant, Mario Nalpas (codirectores), 1927).

Un perro andaluz (1929).

La fruta amarga (Arthur Gregor, 1931).

La hija de Juan Simón (José Luis Sáenz de Heredia, 1935).

Llanto por un bandido (Carlos Saura, 1964).

En este pueblo no hay ladrones (Alberto Isaac, 1964).

Belle de jour (1967).

La chute d'un corps (Michel Polac, 1973).

El fantasma de la libertad (1974).


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